E. P. I. Zentrum

E. P. I. Zentrum

Die 11. Performance Art Konferenz
3. bis 6. April 2003 in Essen

Das Thema | Das programm | Die Künstler | Wegbeschreibung | www.epi-zentrum.org

Die 11. Performance Art Konferenz

3. bis 6. April 2003
Ort: Maschinenhaus Essen | Produktionsort der Künste
Gelände Zeche Carl, Wilhelm-Nieswandt-Allee 100, 45326 Essen

Über die Künstler / About the artists
and Statements

Adina Bar-On / Israel

Performance and Theater
So, some words about an Adina Bar-On : Adina has been an active Performance Artist since 1973,when she was a 3rd year student at the Bezalel Academy of Fine Arts and Design in Jerusalem. Over the years, she has performed in Israel`s major Art Museums , Galleries and events.
Making it her business to emphasize her political and social stand she has insistently performed
in social and political events.
In recent years she has been traveling abroad often as both a Performance and Video Artist.
In 2001, Adina was awarded a major prize for her contribution to Israeli Art by the American
Israel Cultural Foundation, and a biographical book had been published: Adina Bar-On ,
Performance Artist. The following is a translation of brief descriptions of two of Adina Bar-On`s performance written,originally in French, by - Dominique Abensour , Director of Le Quartier ,Contemporary Art Center,Quimper,France.
SACRIFICE , 1991- 02 ( approx. 20 min.) Sacrifice is essentially a vocal work.The artist appears as "possessed" by various characters:the mother, the child, the young man and the old woman. By turn irritating, seducing, plaintive or funny; With songs, babbling, screams, tears and laughter she expresses a palette of emotions evoking known scenes.
DISPOSITION , 2002 (approx. 1 hr.)
Disposition takes place in the urban space. The artist takes a group of spectators on a journey
through the city. On this trip we follow her, we lose her and find her again further on. The
dialogue is composed of scraps of stories or of silence yet the main exchange occurs beyond
words,through images and situations that Adina provokes.She brings into play the dimensions of
Distance as revealed in the relationships between the individuals in the audience and the artist
and amongst persons in the group itself.

Roland Bergère / F / D

Done a research about: how artists used sound, material, objects in the performances in the last 8 years. Produced an 6part video-study-sampler.

Julien Blaine / F

Gehört unter die erste Garde der Performer, die der " Poesie Sonore " zuzurechnen sind Organisator, Editor des Magazine " DO(C)Ks,

Sylvie Cotton / CAN

Extended performance diagram
on performance extending diagram

The first time i was asked to make an artist talk was in July 2001. I was in Japan. Ich frage mich: "What can I possibly say or explain in a bad English that would make sense to me, who's francophone, and that would make sense for a non-specialized japanese audience who doesn't speak to much of English ?" I then decided that for this first artist talk I would not talk. I would instead make a serie of brief actions that i hoped would talk by themselves. When neccessary, if I would need to use words, a translator would be there to find the right word in japanese.

The day of the talks has arrived. We were five artists to present our works. My turn came. I wanted to make the people understand what was performance art practice from my point of view and from my short experience. I first draw a form on the board that figures the 4-P of PERFORMANCE : PRESENT, PUBLIC, POSSIBLE and PLEASURE. I trace a same line between the four words for maybe five minutes meaning that these elements were connected by an enrgic movement of the body mind. After that I asked the public to form a small circle in the room and I ran into it until I fell down. I then eat seaweeds with sticks from a occidental little girl shoe telling in French the story of one dream I had about performance art which revealed to me how deep was linked the act of performance to my own unconsiousness and desire of doing something that is usually not possible or useful to do. I also sat down on the floor and with one of my finger I made the tour of my body very slowly, setting my artist first material, instrument and zone of intervention. The last thing I did was on a white glossy board. I grabbed a big marker and made a diagram created by circles and lines - like almost every diagram. Every part were related in a way or another. In the middle, standed the word PERFORMANCE. ; around it I placed PSYCHOANALYSIS, SOCIOLOGY, PHYSIOLOGY, POLITIQUE and SPACE OF LIBERTY. Yes, I am pretty sure these were the words I proposed in this first version of the diagram. A canevas was on. Something very small but significant took place in my mind about the extended field of performance art.

In 2001, I reuse the diagram in a class in Turku, Finland, working in a workshop with students for two days. I wanted to share with them some views of mine about the act and power of performance and how far in any domaines it can lead one's action or movement. A few weeks after that, I created a performance in Club Là-Bas, in Helsinki, in which I extended the diagram: it was made of many rays, which one presenting many levels, which one presenting many branches. It was an arborescence. It was huge. And it was fascinating to do it directly on the wall without almost no limits. Actually I could have continue for days.

But this is why I am coming to work in Essen, is it not ? Well, this is what I planned to do : to extend this diagram that everytime becomes bigger and bigger and and perform the extended performance diagram on performance extending diagram.
Sylvie Cotton
February 2002

Gerhard Dirmoser / A

Das Diagramm über den Performance Art Kontext umfasst 32 Sichten mit ca 130 Definition von Performance - und Performing Arts. Das Spektrum der Sichten umfasst den Blick auf die Gesellschaft mit ihren sozialen, politischen, ethnographischen und anthropologischen Relationen über wissenschaftlich und philosophischen Einblicke bis hin zu kulturellen, künstlerischen und religiös-rituellen Ausprägungen.
Es sind ca. 900 Künstler und ca. 300 Wissenschaftler namentlich erwähnt. Das Diagramm wird mit einer ausführlichen Literaturliste abgerundet.
Einen solchen Überblick über Performance - und Performing Arts als Kontext ist einmalig..
G. Dirmoser hat des weiteren solch ein Überblickswissen als Diagramm in den Atmosphären geschaffen und wird seine Ergebnisse der Forschung über die Verben präsentieren.

Sergio Edelsztein / Israel

Roddy Hunter / UK

"Roddy Hunter was born in Glasgow, Scotland in 1970. He is an artist, lecturer, researcher and curator. Since 1989, his work has focused upon relationships between mental and social space in various socio-political contexts and environments. He has manifested performance/installation works ('installactions') in public spaces and contexts interregionally, including in Scotland, Ireland, Romania, England, Slovakia, Hungary, The Netherlands, Czech Republic, Canada, Finland, Poland, Lithuania, Germany, France, Japan, Ukraine, Switzerland, Thailand, Spain, Israel, Kazakhstan and Belarus. The work, charged often by dynamics of memory, history and territory, intends historical, cultural, political and personal consequences for the artist and the viewer and regularly takes the form of performances occurring over extended durations. This has frequently led to creating sculptural installations as contexts for actions. "Using simple materials, he moves through and acts upon a space, mapping out territories and time periods, tracing and erasing interrelationships among himself, his audience, and whatever objects are present." (Paul Couillard, press release, 1999). His current work focuses upon performance art as means of critically re-constructing the built environment, locating performance art, public art, architecture, town planning and environmental aesthetics within social, ideological, political and urban processes. He also teaches contemporary art practices; delivers lectures, papers and manifestos publicly; generates critical and theoretical research; and curates and co-ordinates artists' meetings. He was an active member of Hull Time Based Arts, Kingston-upon-Hull from 1994-1998. He was, with Julie Bacon, co-Consul General for the Nomad Territories in England. He holds an MA (Contemporary Arts) from the Nottingham Trent University, England. He lives, since 1998, in Totnes, England where he is Associate Director & Research Fellow: Visual Performance at Dartington College of Arts. "While some of his manifestos left me cold, I did feel I'd experienced something important, as if the performance's long duration allowed Hunter's lived energy to become so concentrated it was volatile, and maybe even revolutionary."
(Rebecca Todd, Toronto Eye, 1999)

Anja Ibsch / D

lngolf Keiner / D

- physikalische Modelle und Experimente mit dem Leib, Hubraum Bauch, Vertikaler Kopfhörer, Die meisten Menschen verlassen ihren Körper, wenn sie sterben, an einem Punkt auf der Höhe des Steißbeins. Um einen Austritt am Scheitelpunkt vorzubereiten, entstehen Übungen, die Zusammenhänge zwischen Kopf- und Rumpforganen klären, dabei ist mir wichtig, meine Organe als Wirkungen geistiger Ursachen zu begreifen.

Monica Klingler / CH

Tanz. Was mich zum Tanzen drängt, ist die Faszination der Sprachen des Körpers, das Bedürfnis, die Essenz, die Bewegung des Lebens selbst physisch zu erforschen. Tanz ist für mich die Poesie der einfachen, natürlichen Bewegungen, der formen und Volumen des Körpers. Verkörperung von Bewegungsbild und Körperbild als eine energiegeladene, ausdrucksstarke, in den Raum ausgreifende und den Raum erfüllende Sprache.
Der menschliche Körper ist Ort der Begegnung und Reibung zwischen Materiellem und Immateriellem, Rationalem und Irrationalem, zwischen Natur und Geist. Er ist unser Wahrnehmungs- und Reflektionsinstrument, ein Forschungs- und Entdeckungsgebiet.
Einerseits ist er materialisierte Erinnerung, Lagerort von Spuren von individuellem oder geerbtem Erlebnis, andererseits verrät uns seine über lange Zeit zum Ueberleben unserer Spezies entwickelte Bauart vieles über das Wesen des Menschen. Die Sprache der Formen und Volumen des Körpers, der Abhängigkeiten und Aufgaben der Glieder studieren, heißt über den Menschen, das Leben, die Natur reflektieren. Tanz ist für mich die Poesie und die Kraft einfacher, natürlicher Bewegungen, welche Abbild fundamentaler menschlicher Zustände sind.
Alles in Monica Klinglers Kunst ist auf die strikte Notwendigkeit angelegt, den Stoff mit weit mehr als formalen Kunstgriffen so grundsätzlich und konzise wie möglich zu übertragen. Die Konzentration, das hohe Maß an unvermittelter Intelligenz wecken die ganze sinnliche Aufmerksamkeit; brennen die Tänze tief ins Gedächtnis ein. Dies gelingt um so eindringlicher, als Monica Klingler in großer Präzision und Transparenz Erfahrungen offenlegt, die in der jahrtausendealten Erinnerung des Körpers verborgen liegen. Sie evoziert Schichten einer doppelten Tradition: die eine haben wir uns erarbeitet, wir besitzen sie; die andere hat uns geformt, sie besitzt uns. (Jacqueline Burckhardt )

Alastair MacLennan / Northern Ireland

RAIN                         REIN                     REIGN
© Alastair MacLennan 2001
(To be accompanied by the twin projection of 320 colour slides by the artist)
If we split our thinking we split our world. We have split our world. Many are lost - alienated from 'self' and 'other'. We short-circuit meaning and chase effects without discerning precipitating cause.
A primary function of art is to bridge our spiritual and physical worlds. Through crass materialism we have reduced art to cultural real estate. Actual creativity can be neither bought nor sold, though its husks, shells and skins often are. It is possible in art to use meta systems without over-reliance on physical residue and attendant marketplace hustling, jockeying and squabblings. Art is the demonstrated wish and will to resolve conflict through action, be it spiritual, religious, political, personal, social or cultural. To heal is to make whole.
As well as ecology of natural environment, there is ecology of mind and spirit. Each is a layer of the other, interfused, three in one. The challenge for us today is to live this integration. Already we are late. Time we have is not so vital as time we make.
Nurture the root-stem and blossom follows.
Individuals are empowered to 'unstop' their own creativity. Unfortunately, from an early age, we've been mentally conditioned to Not Know. Damage done through education (so- called) disconcerts. Through blind and 'knowing' ignorance, many grown ups rape and castrate the imagination of children, before they're seven. Some escape. Many don't. It may be disturbing and disorientating to temporarily suspend judgement and 'lift the lid' of accrued values, to see what's deeper, to uncover what's below private/public veneer. Art can heal.
Duncan of Jordanstone College of Art, Dundee, Scotland. DA and Post Diploma.
Where conflict is, is a good place in which to resolve issues, as much as one is able to within one's art and life, for oneself and hopefully for those whom one meets and touches. It's easy to use political issues, social issues, issues of any sort, when one's not in the situation one's 'working' from. It's different from actually being in that situation and trying to effect change.
I'm an optimistic realist. No doubt there'll be opposition at many stages on the way, but one can't deny evolution. Dinosaurs die out.
In the more recent work I'm attempting (amongst other things) to still mind in motion. This is more difficult, more complicated, but it moves towards the situation whereby the practice is more flexible and might well 'disappear' from being distinct or separate from everyday living, except in terms of 'quality of perception' of 'live' relationships.
The artist isn't outwith society. One may feel alienated from many of its values. The public is a collective of individuals. You're a member, as am I.

Morgan O'Hara / USA

Please schedule me to do a performance with a local
shoemaker or worker of some craft of work which is visible and interesting. In
Japan I did a noodle maker; in Hong Kong, a Chinese chef and a blind musician;
in Myanmar, a shoemaker and a scuptor applying gold leaf to a stone; in Italy,
a butoh dancer and a singer; in New York, jazz musicians and a homeless man
building his night shelter.
The most immediate sign of life is movement. That which is alive,
moves. LIVE TRANSMISSIONS render normally invisible or fleeting movement patterns visible through seismograph-like drawing done in real time. The pulse of life is carefully observed and simultaneously tracked with two or more pencils.
Recorded are the hand movements of people engaged in human activity. On
occasion other signs of life are also recorded: movement of leaves on a
tree, movement of light reflections on water, movement of the incoming tide,
whatever life presents itself in a given moment. O'Hara has performed
LIVE TRANSMISSIONS with people at work: cooks, secretaries, butchers,
shoemakers, mattress makers; dancers: both individuals and troupes; musicians:
soloists, ensembles, bands, orchestras, conductors; poets, artists, performers,
lecturers, politicians, artisans, children, athletes, martial artists.
Morgan O'Hara's childhood and early adolescence in an international community in post-war Japan early established close relationships between east and west,
creation and destruction, life and art. Her work falls naturally into two parts: TIME STUDIES, which she has done on a daily basis since 1971 and time-space work: PORTRAITS FOR THE TWENTY-FIRST CENTURY and LIVE TRANSMISSIONS. The latter have resulted in many interdisciplinary collaborations. O'Hara's strong link to the international new music scene is evident in performances with Anthony Braxton in New York at the Knitting Factory and the Tri-Centric Foundation Festival and with the Work in Progress Ensemble in Berlin which performed musical compositions based on her drawings at the Hamburger Bahnhof.
The point of live contact between eye and subject and between pencil and paper
is essential to her work. She performs with people of all walks of life, thereby shortening and
perhaps dissolving the boundaries between art, criticism and life.
O'Hara lives and works in New York and Italy.
>"LIVE TRANSMISSION" Morgan O'Hara's childhood and early adolescence in an international
community in post-war Japan early established close relationships between east and west,
creation and destruction, life and art. Her work falls naturally into two parts: TIME STUDIES, which she has done on a daily basis since 1971 and time-space work: PORTRAITS FOR THE TWENTY-FIRST CENTURY and LIVE TRANSMISSIONS. The latter have resulted in many interdisciplinary
collaborations. O'Hara's strong link to the international new music scene is evident in performances with Anthony Braxton in New York at the Knitting Factory and the Tri-Centric Foundation Festival and with the Work in Progress Ensemble in Berlin which performed musical compositions based
on her drawings at the Hamburger Bahnhof (Berlin's Museum of Modern Art). The point of live contact between eye and subject and between pencil and paper is essential to her work. She performs with people of all walks of life, thereby shortening and perhaps dissolving the boundaries between art, criticism and life. For her work at trace: Morgan O¹Hara will be
investigating notions of the trace in relation to the body as flesh passing through time & space.

Gabriele Oßwald, Wolfgang Sautermeister / D

Time Art, Time Based Art, Inszenierung, Performance-Art; Materialien: Dinge, Gegenstände des Alltags, Naturmaterialien (Erde, Wasser, Feuer); Arbeit in Kunsträumen und im städtischen Raum (Fußgängerzone, Bahnhof ...); seit 1995 Organisation von genreübergreifenden Performance-, Theater- und Ausstellungsprojekten, u.a. 9. Internationale Performance-Konferenz in Mannheim.
Die KünstlerInnen experimentieren mit Verhaltensweisen und psychischen Befindlichkeiten. Sie irritieren, indem sie Gegenständen und Situationen das Vertraute entziehen und so das scheinbar
Selbstverständliche in Frage stellen. Die Vorgänge und Handlungen geschehen (oft) ritualisiert und
verlangsamt. Das Prinzip der Wiederholung im Sinne von Bannung, Magie, Zauber bis hin zum Absurden kommt hinzu. Irritierende Momente. Poetische Ideen. Es wird etwas heraufbeschworen, was nicht gänzlich vorhergesagt werden kann. Beunruhigende und auch erneuernde Energie für die Teilnehmenden (als ZuschauerInnen, als Mitwirkende). Unabhängig von der gemeinsamen Performance-Arbeit entstehen eigene Werke: Zeichnung, Malerei, Installation.
Titel der Performance, die in Essen gezeigt wird:
Stroh zu Gold
Performance von Gabriele Oßwald und Wolfgang Sautermeister
Der Performance liegt eine klare Struktur zugrunde. Es geht um die Abfolge von streng komponierten Bildern, die wenig Spielraum für Spontaneität lassen.

von Wolfgang Sautermeister
Notizen über die Performance- Arbeit von Wolfgang Sautermeister und Gabriele Oßwald

"In der Theorie der Shaolin gibt es den Ausdruck HU SHIAN - wörtlich übersetzt ‚der Schatten des Tigers'. Darunter versteht der Shaolinübende eine Art imaginäres Bewegungsmuster, das jeder tatsächlichen Bewegung vorausgeschickt wird, also sich ein Bild machen von einem konkreten Bewegungsablauf und diesen dann konkret in die Tat umsetzen." Johan Lorbeer


In unseren Performances geht es um Geschehnisse, die sich in unterschiedlichen "Zeiten" vollziehen. Sie können kurze Augenblicke sein oder aber die Zeit dehnen.
Die Handlungen (Aufmerksamkeitsmomente) - von der unscheinbaren bis hin zur großen Geste - verlässt sehr häufig das Feld des Sinnvollen. Bewusst wird "Unsinn" produziert, um "Sinn" erlebbar zu machen. Angestrebt ist der "höhere Unsinn" oder auch der "andere Sinn". Vielleicht ist das ja der eigentliche.
Immer wieder sind es neue Standpunkte, von denen wir ausgehen oder die uns zur Performance gebracht haben. Also Fragen und Gedanken, die wir länger mit uns herumtragen oder Dinge oder Teile unseres Körpers oder Ereignisse. Bis so etwas zur Performance wird (Methode und Form), kann es dauern. Die "aus der Hosentasche Gezauberte" ist eher selten. Dennoch kann es geschehen, dass man etwas sieht oder erlebt
und unmittelbar stellt sich eine Idee ein.
"Es gibt Künstler ... - so Bruce Nauman in einem Interview - denen es um Schönheit geht; die versuchen, andere Menschen mit schönen Dingen zu beliefern. Ich arbeite nicht so. Das hat auch mit einer bestimmten Auffassung von Schönheit zu tun. Sonnenuntergänge, Blumen, Landschaften. Diese Dinge bringen mich nicht an die Arbeit. Mein Werk kommt aus der Enttäuschung über die ‚Conditio Humana'. Es frustriert mich, dass Menschen sich weigern, andere zu verstehen und so grausam zueinander sein können."


Immer ist die Performance abhängig vom "Ort", von den räumlichen Gegebenheiten, von der Situation, von den Energien und vielen anderen Momenten. Was vorher gedacht und empfunden wurde, bekommt für den Performer durch das Durchleben der Performance und durch deren realen Vollzug, eine schwer in Worte zu fassende Bedeutung. Erfahrungen werden gesammelt und vielleicht "versteht" man nachher etwas besser als vorher.
Die Arbeiten setzen den Zuschauer als kreativen Partner voraus, der durch seine Aufmerksamkeit und Sensibilität der Performance ihren Sinn verleiht.
Unsere Performances sind meistens handlungsorientiert und wir hantieren mit Materialien, gehen mit ihnen um:

Unsinniges Handeln
Sinniges Handeln
Poetisches Handeln
Prozesshaftes Handeln
Beherrschtes Handeln
Spontanes Handeln
Genau getimtes Handeln
Rituelles Handeln
Mechanisches Handeln
Handlungen mit Dingen
Handlungen mit Tieren

Handlungen an und mit unserem Körper
Handlungen bezogen auf den Raum (Innenräume - Außenräume - Naturräume)
Handlung als Modell

"Performance-Art ist ein offenes Kulturthema, da es aus allen Kunst- und Kultursparten gespeist wird und auf diese zurückwirkt. Die Denkbewegungen, die zu dem Entstehen eines Bildes führen, werden direkt geäussert und wirken gleichzeitig auf den Künstler und den Betrachter. Die Weltbilder, die bei Performance-Art zur Darstellung kommen, benötigen keine Abbilder, keine Umwege mehr; sie sind keine Symbole, sie sind motivlos. Damit erfüllen sie auch die ursächlichen Wünsche der klassischen Künste, oder wie Kleist im Essay über das Marionettentheater schrieb: "Mithin, sagte ich ein wenig zerstreut, müssten wir wieder von dem Baum der Erkenntnis essen, um in den Stand der Unschuld zurückzufallen.
Allerdings, antwortete er, das ist das letzte Kapitel von der Geschichte der Welt." Boris Nieslony


Mit der "Kunst der Handlung" kann gemeint sein, daß die gefundenen einfachen Handlungen beherrscht werden (müssen). Aber ist das wirklich damit gemeint, dass "die Handgriffe sitzen", dass vorgeführt wird, wie man etwas "be-herrscht"? Dass man die Meisterschaft erreicht hat im Umgang mit diesem .... Körper, mit diesem ....... Ding, mit diesem .... Material.
Wenn es darum gehen soll, dann wird (nur) Körperbeherrschung und Dingbewältigung in der Kür vorgeführt.
Dennoch, glaube ich, muss es noch einen Schritt darüber hinaus gehen, wenn es mit der "Kunst der Handlung" um Performance-Art gehen soll.
Es geht dabei nicht um Akrobatik oder eine Art von "Zauberei". Die Meisterschaft, von der wir sprechen, ist anders. Gerade Handwerk und Beherrschung können jedoch auch dem Vollzug der Performance hinderlich sein.
Es geht weniger um "Be - herrschung", als um eine bestimmte Art des Zugriffs. Meisterschaft in der Performance-Art wäre dann gerade das "Banalste" - sofern es dieses noch gibt - so ergreifen zu können, dass es sich öffnet und weitet. Oder eben das "Banale" erst gar nicht zu tun. Oder erst recht zu tun.
Meisterschaft ist eine Frage des "WIE".
Die "Kunst der Handlung" muss sicher über viele Hindernisse und Fallen hinweg erreicht werden. Sie wäre dann das Ergebnis einer intensiven Auseinandersetzung mit dem Leben, mit dem Körper, mit den Dingen, mit der Kunst, mit der Philosophie...
Sie muss Zufälle miteinbeziehen.
Sie setzt Neugier und Obsession vorraus.
"Die Tatsache, dass der Mensch zum Handeln im Sinne des Neuanfangens begabt ist, kann daher nur heißen, dass er sich aller Absehbarkeit und Berechenbarkeit entzieht, dass in diesem einen Fall das Unwahrscheinliche selbst noch eine gewisse Wahrscheinlichkeit hat, und dass das, was "rational", d. h. im Sinne des Berechenbaren schlechterdings nicht zu erwarten steht, doch erhofft werden darf." Hannah Arendt
Von Joseph Beuys kennen wir die Installation mit dem Titel:'Zeige deine Wunde'.
Paul Celan sagt: "Geh' mit der Kunst in deine allereigenste Enge. Und setze dich frei".
John Cage weiterhin beginnt seinen Vortrag ÜBER NICHTS: "Ich bin hier ----- und es gibt nichts zu sagen. Wenn unter ihnen die sind, die irgendwo hingelangen möchten, sollen sie gehen."


"Was das Leben am härtesten in uns einprägen und zugleich am weitesten vor uns verstecken wollte, das schrieb es den Individuen zwischen die Schulterblätter. Dort sind unsere unbewussten Missionen eingestochen. Auch wer wie Siegfried im Drachenblut badet
und sich vermeintlich unverwundbar gemacht hat, trägt dort eine offene Stelle, sein selbst-
veräterisches Lindenblatt, herzförmig und ichfern, und ohne Zweifel gibt es dafür einen mörderischen Beobachter, dem der geheime Fleck wie eine Zielscheibe vor Augen steht. Aber daß diese Scheibe auch eine schwarze Tafel sein könnte, auf der die absoluten Inschriften stehen, war dies nicht Antonin Artauds Vision, als er sich in luzider Zerrüttung an einer Pariser Bushaltestelle mit einem Bleistift in der Hand, in vergeblichen Versuchen wand, seinen eigenen Rücken auf Höhe der Schultern zu beschriften?" Peter Sloterdijk


Warum diese Handlung?
Warum diese Form der Performance?
Warum dieses Material?
Warum dieser Ort?
Warum diese Zeit ?
Was ist dann die Performance?
Ist es das, was der Künstler macht?
Ist es das, was der Zuschauer sieht?
Wo ist der wirkliche Ort dieser "Ereignisse"?
"Das Ich, das schreibt ist nicht das Du, das liest." Ric Allsopp


Zur Frage Performance-Art und Theater ist zu sagen, dass Performance-Art zu den Aufführungskünsten zählt. Die große Menge der Performance-Künstler und -Künstlerinnen arbeitet aus sehr unterschiedlichen Ansätzen, Fragestellungen und Betroffenheiten heraus.
Die Art und Weise, wie das geschieht und sich zeigt ist ebenfalls überraschend vielfältig .
Sicher gibt es Künstler, die einer sogenannten ‚theatralen Performance' sehr nahe stehen. Sie verwenden viele Mittel aus dem Bereich des Theaters, z.B. Verkleidung oder Masken (Joan Jonas); sie treten auch auf Bühnen auf, sie "schlüpfen in Rollen", sie leuchten den Raum aus, ja, sie benützen sogar klassische Texte. Hingewiesen sei an dieser Stelle auf Joseph Beuys mit seiner Aktion "Titus Androius /Iphigenie" am 29.5.1969.
Die Performance-Art hat sich seit den 60-er Jahren enorm weiter entwickelt und wirkt grenzüberschreitend.
Es erscheint mir als recht schwierig, herauszufinden, wo in der Performance-Art "Theater" gespielt wird und wo nicht. Denn die immer wieder herbeizitierte "Echtheit" "Wahrheit" und "Autenthizität" stellt keine wirkliche Antwort dar. Letztendlich muss sich jeder Künstler, jede Künstlerin danach befragen lassen, egal aus welchem "Kunstbereich".
In der Performance-Art werden keine Rollen gespielt wie z.B. in einer Inszenierung der Zauberflöte oder wie in Stücken von Shakespeare.
Aber es ist so einfach nicht, dem Begriff der "Rolle" auch bei Performances so richtig beizukommen, oder gar dem der Identität.
"Auf dem grundlegendsten Niveau handelt es sich bei einer Performance um ein Medium und zwar in dem Sinne, daß sie eine Information vermittelt. Die Performance ist jedoch das "amedialste" aller Medien, da sie die Information fast unverändert weitergibt. Gibt es zum Beispiel irgendeinen bedeutsamen und messbaren Unterschied zwischen einer gespielten und einer echten Umarmung? (Wenn das so wäre, was ja gut sein könnte, würde das die zwischenmenschlichen Beziehungen enorm vereinfachen.) Aber die Medien ermöglichen die Lüge." James Monaco


Der Körper in der Performance-Kunst ist immer gespalten. Er ist "Darsteller-Körper", "Material der Darstellung", wie es besonders in der Body-Art anschaulich wird.
Der Körper ist aber auch "Betrachter-Körper". Erst die Co-Präsenz beider Körper setzt die Performance in Gang.
In einem Aufsatz über Performance-Art mit dem Titel ‚Performance und kein Ende?' schreibt Michael Haerdter ".....der Performer praktiziert ein Stück politische Kultur, indem er sich die Freiheit nimmt, vor seinen Mitmenschen rückhaltslos er/sie selbst zu sein." Und etwas später. "....in der Unmittelbarkeit, Körperlichkeit und materiellen Schlichtheit seiner oder ihrer öffentlichen Kommunikation mit dem Puplikum leistet der Performer, was Karl Jaspers einmal die große Aufgabe des Künstlers genannt hat: den Menschen an sich selbst zu erinnern". - Was bedeutet "er/sie selbst zu sein"?


"Wenn ich mir in der Küche beim Kartoffelschälen in den Finger schneide, fühle ich mich sehr verletzlich und könnte heulen. Wenn ich mich vor dem Publikum verletze, macht mir das gar nichts, ich kann praktisch alles machen, es gibt kein Hindernis mehr, ich habe ein Gefühl der totalen Freiheit." Marina Abramovic. - Wann ist sie ‚sie selbst'?


Es ist ein andere Form von "Bühne", die der Performer sucht und schafft. Er oder sie machen Angebote; versuchen, Aufmerksamkeit zu bekommen. Sie haben wohl etwas zu zeigen.
Das trifft aber nur für die Performances zu, die ein Publikum suchen.
Was geschieht, wenn ich etwas mache, "einfache Handlungen" ausführe, irgendwann, irgendwo, aber ohne Publikum, ohne fotographische oder filmische Dokumentation, ohne dieses "Schaut her"? Was provoziert diese Geste: "Kommt und schaut her" beim Performer, was beim Publikum?

Die "Kunst der Handlung" - die Performance Art - ist wie alle anderen Künste nicht vor Banalitäten und Selbstverliebtheiten sicher. Hier ist alles anzutreffen, so wie überall.

Jeder Künstler und jede Künstlerin müsste sich die ehrlich Frage stellen ‚Bin ich hier richtig?',
‚Mit welcher Haltung gehe ich an die Arbeit?' und all diese für mich noch immer wichtigen Fragen.
Performance-Art muß aber auch alle Engen und Weiten durchlaufen, die unsere gegenwärtige Zeit prägen.
1997 besuchten wir unsere erste Performance-Konferenz in Hamburg. Dort sahen wir Performances und trafen Norbert Klassen und Boris Nieslony, für uns sehr wichtige Begegnungen. Wir haben damals gespürt, dass hier ist etwas von ist dem, was wir suchen. Es hatte für uns etwas von Ankommen und Aufbruch. Jahre sind seitdem vergangen. Die Flammen von Ric Allsopp`s Performance brennen immer noch in uns und viele andere großartige Momente sind hinzugekommen. So hören wir zum Beispiel ebenso noch Walter Siegfrieds Stimme bei den Interventionen in Glarus oder die von Japp Blonk.
Performance-Art ist (nur) ein Teil unserer künstlerischen Arbeit, andere sind schon immer parallel dagewesen.
"In der Theorie der Shaolin gibt es den Ausdruck HU SHIAN - wörtlich übersetzt ‚der Schatten des Tigers' . Darunter versteht der Shaolinübende eine Art imaginäres Bewegungsmuster, das jeder tatsächlichen Bewegung vorausgeschickt wird, also sich ein Bild machen von einem konkreten Bewegungsablauf und diesen dann konkret in die Tat umsetzen." Johan Lorbeer


Der Text kann in einer Endlosschleife gelesen oder als Vortrag gehalten werden. Er wird von 10 Handlungen unterbrochen.

Marina Abramovic, Performance - Ritual - Prozess von Elisabeth Jappe
Ric Alsopp, Performance, Performance-Konferenz in Hamburg 1997
Hanna Arendt, Vita activa oder Vom tätigen Leben
Johan Lorbeer, Shaolinübung für Performance-Künstler 1997
James Monaco, Media Culture
Bruce Nauman, Interviews 1967 - 1988
Boris Nieslony, Theater Etcetera - zum Theaterfestival SpielArt München 2001
Peter Sloterdijk, Zur Welt kommen - zur Sprache kommen

Klara Schilliger / CH

In keiner anderen Kunstform wird so viel von Performance gesprochen, wie beim Tanz. Gemeint ist damit aber meist nicht die Performance Art als eine "Kunst des Handelns", sondern die Aufführung/ Inszenierung als solche.
Performance Art aber ist nicht die Interpretation einer Choreographie mit dem Ziel, den Zuschauer zu unterhalten. Was ist die Performance im Tanz, als Akt mit unbegrenztem Bewegungsvokabular, als Handlung mit einer Raum-Zeit-Struktur? Was ist Tanz, wenn er als eine "Kunst ohne Werk" und nicht als "Kunstwerk" verstanden wird? Im Vortrag von Klara Schilliger wird u.a. ein Ausflug in die Ethologie gewagt: Im sogenannt "Tänzerischen Verhalten" der Tiere steckt die Mitteilung direkt - ohne die Vermittlung eines Symbols - im Signal.

Klara Schilliger, 1953 in Sursee/ Luzern geboren, lebt heute in Köln.
Studierte Modern Dance und Choreographie in Bern. Seit 1982 Performances und
Lorna Stewart / UK
She obtained a Bachelor of Arts in Time-based studies from the University of Wales Institute Cardiff and a Betec Foundation Diploma from Loughborough College of Art and Design. She has participated in a number of events at venues around the UK and across the world including the Tokyo Metropolitan Museum of Art, the Cardiff Arts in Time Festival, Gallery 291 in London, and the Medea Exhibition of Womans Video, Yugoslavia. She most recently received the Helen Gregory Memorial Scholarship for student achievement. in 1999.

Tehching Hsieh / USA

1978 - 1979 ONE-YEAR PERFORMANCE. Remain in cage for one year.
1980 - 1981 ONE-YEAR PERFORMANCE. Punch time clock every hour on the hour, 24 hours a day, for one year.
1981 - 1982 ONE-YEAR PERFORMANCE. Remain outdoors for one year.
1983 - 1984 ART/LIFE; ONE-YEAR PERFORMANCE. Tied with rope to Linda Montano and do not touch, for one year.
On July 1., 1985, Tehching Hsieh began a year-long performance doing which he will not look at, make, read about, or talk about art, or enter a museum or gallery. The piece will end on July 1. 1986.
The plaus for Tehching's inclusion in ihn exhibition were made during Febraary 1985, and all interviews and discussious with the artist were conducted in the spring of that year. In order not to violate Tehching Hsieh's present one-year performance, documentation of the piece is not included here.


maschinenhaus essen - produktionsort der künste
Gelände Zeche Carl - Wilhelm Nieswandt Allee 100, D - 45326 Essen
Telefon: 0049 201 837 84 24, +221 24 51 15, +221 76 34 28 Fax: 0201 83 78 425